Paginas de Internet a tener en cuenta...

http://www.fotonostra.com/
Sitio que te ofrece una ámplia formación e información sobre el mundo de la fotografía y el diseño gráfico digital, así como una buena cantidad de galerías de fotos.


http://www.publispain.com/superfuentes/
En este sitio podes encontrar diferentes tipos de fuentes.

http://www.slideshare.net/lourdes.domenech/figuras-retricas-en-publicidad
Este sitio es mas sobre publicidades, retoricas en la publicidad, que quizás nos sirva para ejercitar la vista, sacar ideas, y dar significados diversos a un diseño. También nos sirve para el ultimo trabajo de susana de percepción visual.



las siguientes son paguinas que consulte en su momento y aun consulto a veces sobre los programas trabajados en clase...
Photoshop.
http://www.photoshop-designs.com/foro/viewtopic.php?t=4212
http://www.solophotoshop.com/
http://www.tutorial-lab.com/tutoriales-photoshop/





Ilustrator.
http://www.tutorial-enlace.net/tutoriales-Illustrator.html
http://www.tutorial-enlace.net/listado-largo-de-tutoriales-Illustrator.html

Diseños con tipografías...

Diseños con tipografías observadas en internet.... a continuación los que mas me agradaron ....

Taller de Diseño. Modulo 1. Unidad 1: Reflexiones sobre el Diseño. Resumen.

El Renacimiento.

Texto de Marc-A  Valli.

Es cierto nuestros padres nos mintieron, pero lo hicieron cuando creyeron decirnos la verdad… Santa Claus si existe, apareció a finales de los 3o´, posando en avisos de Coca Cola, tras  ver las ventas decaer por las temperaturas del invierno, y solicitando la ayuda de Haddon saundblom (ilustrador)  quien lo lanzo con los colores corporativos blanco y rojo, lo relleno, arreglo su barba y con la estrategias publicitarias aparecio nuestro santa.

Es así como la idea de “el arte por el arte mismo” sin asociarlo a ideales comerciales, espirituales y/o políticos, si aparece como una moda pasajera.

El renacimiento es un interesante caso de estudio. Indiscutiblemente es el periodo mas fértil de la historia del arte, aun así los artistas pintaban lo que se les era indicado, Había siempre un mensaje… artistas que no distaban tanto de un diseñador grafico actual.

“La sintaxis de la imagen”

Dondis Dora – Introducción al alfabeto visual. Ed Gustavo gilli. Barcelona 1997.

Capitulo 1: Carácter y contenido de la alfabetización visual.

¿Cuanto vemos? (carácter y contenido de la inteligencia visual)          indagar la naturaleza, para convertirnos en creadores y receptores de mensajes visuales (personas visualmente alfabetizadas), es decir posees la vista veloz, comprensiva y simultanea.

Así el diseño estará dado por: 1) la necesidad humana. 2) su forma dependerá de esa función. … el diseñador, sabiendo esto, deberá centrar sus ideas para cumplir esa función, comprendiendo que además debe agradar.

La visión es una experiencia directa y el uso de datos visuales para suministrar información constituye la máxima aproximación que podemos conseguir a la naturaleza autentica de la realidad formando redes. El arte es solo una visión mas directa de esta realidad.

El impacto de la fotografía: la cámara aparece como la forma de captar, registrar y expresar lo que vemos sin necesidad de una capacidad innata

Conocimiento visual y lenguaje verbal: visualizar es la capacidad de formar imágenes mentales; el lenguaje funciona como medio de almacenamiento y transformación de la información, como vehiculo para el intercambio de ideas y como medio para que la mente humana pudiera conceptualizar. Conocer el significado de las palabras, es conocer las definiciones comunes que comparten.

Alfabetidad visual: todos los sistemas de símbolos son invención del hombre . Y los sistemas de símbolos que denominamos lenguajes son invenciones o refinamientos de lo que en otros tiempos fueron percepciones del objeto dentro de una mentalidad basada en la imagen.  De ahí que existan tantos sistemas de símbolos y lenguajes.

Entre todos los medios de comunicación humana el visual es el único que no tiene régimen o metodología, ni un solo sistema de criterios explícitos para su expresión o comprensión.

La aproximación a la alfabetización visual: indagar la naturaleza, para convertirnos en creadores y receptores de mensajes visuales

Egon Schiele

Edith con un vestido a rayas.

  

Autorretratos

wassily Kandinski

Premios Mamba.

Arte y nuevas tecnologías.
Premios Mamba 6ta. Edición.

Desde el 17 de marzo y hasta el 12 de junio, Espacio Fundación Telefónica exhibió las obras premiadas en la ultima edición del concurso, del cual participaron 252 trabajos y 84 proyectos.

La muestra “Premio MAMbA – Fundación Telefónica. Artes y nuevas tecnologías” presentó las obras premiadas en la sexta edición del concurso, del año 2009, las cuales fueron seleccionadas por un jurado especializado que conformaron Laura Buccellato (Directora del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires), Leandro Katz (artista), Jorge Haro (artista), Berta Sichel (Directora del Departamento de Nuevos Medios del Museo Reina Sofía de Madrid-España) y Margarita Paksa (artista).

Diálogos (en el banco de una plaza), de Andrés Denegri, es la obra ganadora del Gran Premio en la categoría “Proyectos”. La instalación “Espacio Cambiario” de Leo Nuñez, obtuvo el Segundo Premio; mientras que el tercero se le otorgó a Nicólas Bacal por su obra “4400 veces vos”. Axel Straschnoy y Leonello Zambón recibieron menciones por sus trabajos The New Artist y Pasarotophonia, respectivamente.

En la categoría “Obra realizada”, el jurado otorgó el Primer Premio a Carlos Trilnick por su trabajo “Dead underground”. La Partenaire, de Hernán Marina, obtuvo el Segundo lugar y Loco (Paparazzi III), de Azucena Losana, el tercero. Las menciones corresponden a Eduardo Imsaka (Performance de dibujo autonoma) y Christian Wloch (Enlace)

Además, tendrán lugar en la muestra las obras seleccionadas de: Fabián Nonino, Graciela Harper, Marcelina Di Pierro, Antonio Zucherino, Juan Sorrentino y Estanislao Florido

El Premio MAMbA/Fundación Telefónica nació en el año 2002 con el objetivo de promover y difundir expresiones artísticas innovadoras, generando un espacio donde puedan desarrollarse producciones que amplíen, de la mano de la tecnología, las fronteras de las artes visuales. Además, el premio fomenta el desarrollo de proyectos experimentales y representa un incentivo económico para los artistas galardonados.

La continuidad, a lo largo de seis años, de esta iniciativa publico-privada permitió la consolidación de una plataforma de artistas argentinos, quienes han reflejado una importante proyección internacional.

El Premio MAMbA/Fundación Telefónica es el único en el país cuyo objetivo es estimular la investigación y producción de obras de arte, vinculadas a la ciencia y la tecnología.

Además de recibir un incentivo económico –para el cual Fundación Telefónica destinó $109.000- los artistas reciben las herramientas tecnológicas y el aporte técnico necesario para materializar y exhibir sus obras.

En el folleto informativo de la exposición se expresaba lo siguiente:

" Nuestro presente nos hace conscientes de necesidad imperiosa de interconectividad que desarrollan de manera asombrosa y espasmódica las nuevas tecnologías y la ciencia.

El artista contemporáneo ya no puede eludir esta realidad. Es mas, se ha sumado a ella y se sirve de esta interacción para nutrir y potenciar su creatividad..."

Dejo aquí los diseños realizados en relación de esta exposición correspondientes a los aportes de cátedra del primer cuatrimestre.  

Las fotografías utilizadas en estos diseños fueron sacadas por Macarena Alegre, Alejandro Gracia, y otras obtenidas desde Internet 

tarjeta personal... tp n°1 segundo cuatrimestre

Resumen de las Escuelas a Investigar.

Escuela de la Bauhaus

Escuela de diseño, arte y arquitectura fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar (Alemania) y cerrada por las autoridades prusianas (en manos del partido nazi) en el año1933.

El nombre Bauhaus deriva de la unión de las palabras en alemán Bau, "de la construcción", y Haus, "casa"; irónicamente, a pesar de su nombre y del hecho de que su fundador fue un arquitecto, la Bauhaus no tuvo un departamento de arquitectura en los primeros años de su existencia.

Sus propuestas y declaraciones de intenciones participaban de la idea de una necesaria reforma de las enseñanzas artísticas como base para una consiguiente transformación de la sociedad de la época, de acuerdo con la ideología socialista de su fundador. La primera fase (1919-1923) fue idealista y romántica, su objetivo era "La recuperación de los métodos artesanales en la actividad constructiva, elevar la potencia artesana al mismo nivel que las Bellas Artes e intentar comercializar los productos que, integrados en la producción industrial, se convertirían en objetos de consumo asequibles para el gran público" ya que una de sus metas era la de independizarse y comenzar a vender los productos elaborados en la Escuela, para dejar de depender del Estado que hasta ese momento era quien los subsidiaba” ;  La segunda (1923-1925) mucho más racionalista y en la tercera (1925-1929) alcanzó su mayor reconocimiento, coincidiendo con su traslado de Weimar a Dessau. En 1930, bajo la dirección de Mies van der Rohe, se trasladó a Berlín donde cambió por completo la orientación de su programa de enseñanza.

La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico; puede decirse que antes de la existencia de la Bauhaus estas dos profesiones no existían tal y como fueron concebidas dentro de esta escuela. Sin duda la escuela estableció los fundamentos académicos sobre los cuales se basaría en gran medida una de las tendencias más predominantes de la nueva Arquitectura Moderna, incorporando una nueva estética que abarcaría todos los ámbitos de la vida cotidiana: desde la silla en la que usted se sienta hasta la página que está leyendo (Heinrich von Eckardt). Dada su importancia Las obras de la Bauhaus en Weimar y Dessau fueron declaradas como Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en el año 1996.

Siendo director Ludwig Mies van der Rohe, la escuela sufrió por el acosante crecimiento del Nacional Socialismo, la ideología Bauhaus, era vista como socialista internacionalista y judía. Los Nazis cierran la escuela. Muchos de los integrantes de la misma entre ellos el mismo Walter Gropius, refugiados, se instalan finalmente en Estados Unidos para seguir con sus ideales.

"La Escuela Bauhaus" se asento en tres ciudades:

Weimar 1919 – 1925 / Dessau 1925 – 1932 / Berlín 1932 – 1933

Estuvo manejada por tres Directores:

Walter Gropius 1919 – 1927 / Hannes Meyer 1927 – 1930 / Ludwig Mies van der Rohe 1930 – 1933

La fundación de la Bauhaus se produjo en un momento de crisis del pensamiento moderno y la racionalidad técnica occidental en el conjunto de Europa y particularmente en Alemania. Su creación se debió a la confluencia de un conjunto de desarrollo político, social, educativo y artístico en las dos primeras decadas del siglo XX, cuya especificidad está dada por las vanguardias artísticas de comienzo de siglo.

La modernización conservadora del Imperio alemán durante la década de 1870 mantuvo el poder en manos de la aristocracia. Esto exigía también, del militarismo y el imperialismo para mantener la estabilidad. Para 1912 el auge de los izquierdistas del SPD ha galvanizado las posiciones políticas con conceptos de la solidaridad internacional y de establecer el socialismo contra el nacionalismo imperialista. Sectores del proletariado demuestran una creciente capacidad de organización, cuestión que es forzosamente potenciada por la hiperinflación alemana y la cada vez más evidente crisis económica. Al igual que otros movimientos pertenecientes a la vanguardia artística, la Bauhaus no se marginó de los procesos políticos-sociales, manteniendo un alto grado de contenido crítico y compromiso de izquierda. La Bauhaus -como demuestran los problemas que tuvo con políticos que no la veían con simpatía- adquirió la reputación de ser profundamente subversiva.¹

La Nueva Bauhaus

Tras 1933 gran parte de los integrantes de la Bauhaus marcharon hacia los Estados Unidos en donde se desarrolló una especie de continuación de la Bauhaus hasta la Guerra Fría. En1951 el arquitecto y escultor suizo Max Bill, siguiendo los lineamientos de la Bauhaus original, funda en Ulm (República Federal Alemana) la Hochschule für Gestaltung (Escuela Superior de Proyectación), que recupera pronto la denominación de Bauhaus o, para diferenciarla de la inicial, Neues Bauhaus (Nueva Bauhaus), de la cual fue director entre 1954–1966el pintor y diseñador argentino Tomás Maldonado, quien enfatizó aún más con el carácter científico y racionalista aplicado en las artes.

La Hochschule für Gestaltung 

La Hochschule für Gestaltung  (Escuela Superior de Proyectación o Escuela de ULM) fue una escuela universitaria de diseño radicada en Ulm, Alemania.

Fundada en 1953, entre otros, por Inge Aicher-Scholl, Otl Aicher y Max Bill, este último, primer rector de la escuela. La HfG ganó rápidamente el reconocimiento internacional. Durante su funcionamiento fueron investigados y puestos en práctica nuevos enfoques en el diseño, dentro de los departamentos de: Comunicación Visual, Diseño Industrial, Construcción, Informática, y más tarde de Cinematografía.

El edificio de la HfG fue diseñado por Max Bill y sigue siendo, hoy en día un edificio importante y funcional dentro del campus de la Universidad de Ulm. La HfG fue una de las más progresistas instituciones de enseñanza del diseño y el diseño ambiental en las décadas de los 50s y 60s, pionera en los estudios y del perfil profesional del diseñador de hoy en día.

La historia de la HfG se formó por medio de la innovación y el cambio, en consonancia con la propia imagen de sí misma de escuela como una institución experimental. Esto dio lugar a innumerables modificaciones en el contenido, la organización de las clases y a los continuos conflictos internos que influyeron en la decisión final del cierre de la HfG en 1968.

Los años de posguerra, entre 1945 y 1952 en Alemania Occidental estuvieron caracterizados por fuertes planes de reestructuración y financiamiento, como el Plan Marshall.

Los orígenes de la HfG se remontan a una iniciativa por parte de la "Fundación Hermanos Scholl". La fundación fue creada en 1950 por Inge y Grete Scholl en memoria de sus hermanos Sophie y Hans Scholl, miembros del grupo de resistencia "Rosa Blanca", ejecutados en 1943 por el régimen Nazi.

En 1946 Inge Scholl, junto con Otl Aicher y un grupo de jóvenes intelectuales plantean crear una institución de enseñanza e investigación que vinculara la actividad creativa con la vida cotidiana y que tuviera como objetivo, colaborar en la reconstrucción cultural de una sociedad moralmente destruida por el nazismo y la segunda guerra mundial. El proyecto se financió gracias al aporte de un millón de Marcos por parte deJhon McCloy, que Scholl consiguió para la fundación a través de los contactos que poseía con Max Bill, Walter Gropius y los Estados Unidos; además recibió el apoyo financiero por parte del Gobierno Federal, Local, de contribuciones privadas y de las industrias.

El 1 de abril de 1953, comenzó a funcionar la nueva institución universitaria con Max Bill, ex alumno de la Bauhaus, como rector. El 3 de agosto de ese mismo año, comenzó a funcionar en el edificio de la escuela secundaria pública de Ulm con un cuerpo docente integrado por Hans Gugelot, Otl Aicher,Tomás Maldonado, Friedrich Vondemberge-Gildewart y Walter Zeischegg.² Entre los profesores se encontraban Walter Peterhans, Johannes Itten, y Helene Nonné-Schmidt.

La enseñanza estaba basada en un plan de estudios de cuatro años. El primer año estaba dedicado al curso básico y luego se elegía una especialidad entre diseño de producto, comunicación visual, construcción, información (que duró hasta 1962) y cinematografía, que hasta 1961 perteneció al departamento de comunicación visual y desde 1962 se independizó.

En 1953 comenzó a construirse el edificio, diseñado por Max Bill, cuya inauguración se produjo el 2 de octubre de 1955. El edificio de la HfG fue uno de los primeros en Alemania, construidos en hormigón con estructura reforzada, con talleres espaciosos, dormitorios para estudiantes y una cafetería. Los interiores y el mobiliario eran flexibles para el uso de la universidad. Hoy, las instalaciones siguen siendo parte de la facultad de Medicina de la Universidad de Ulm.

En los primeros años de funcionamiento, y con la dirección de Max Bill, la didáctica de la escuela estaba orientada según los principios de la Bauhaus, donde el diseñador tenía un perfil más artista que científico. A partir de las discrepancias con otros profesores y los postulados de Tomás Maldonado, la escuela desvió su ideología hacia un terreno más metodológico y estructurado. Esto trajo consigo una precisión del programa lectivo y del Curso Básico y con ello una introducción consolidada de las disciplinas teóricas. La nueva concepción dio paso al así llamado "modelo de ulm", que ha influido mundialmente la formación en diseño hasta la actualidad.

Según Gui Bonsiepe, "el proceso de pasar de una concepción precientífica, hacia una concepción científica del diseño no fue nada fácil, a veces incluso traumático, tanto para los docentes como para los alumnos. Hay que recordar que la mayoría de los docentes de diseño tenían una experiencia artística. No eran científicos con una medalla académica, por lo menos no poseían una calificación formal. Su mérito era haber iniciado una aproximación entre diseño y ciencia".Los profesores que fueron llegando más tarde, fomentaron la oposición entre ciencia y diseño, incluso subordinándolo a éste último. Mientras, se alimentaron los distintos conflictos internos que se sucedieron en la escuela, que por otra parte fueron los que según Gui Bonsiepe "pusieron sobre el tapete esta problemática. Que ayudó a desmitificar el proceso proyectual y su enigmática creatividad".

Movimiento Arts and Crafts ( Artes y Oficios)

El movimiento Arts and Crafts (literalmente, Artes y oficios) fue un movimiento artístico que surgió en Inglaterra en 1880 y se desarrolló en el Reino Unido y Estados Unidos en los últimos años del siglo XIX y comienzos del siglo XX. Inspirado por la obra de John Ruskin, alcanzó su cenit entre 1880 y 1910.

El Arts & Crafts se asocia sobre todo con la figura de William Morris, artesano, impresor, diseñador, escritor, poeta, activista político y, en fin, hombre polifacético, que se ocupó de la recuperación de las artes y oficios medievales, renegando de las nacientes formas de producción en masa. Aparte de William Morris, sus principales impulsores fueron Charles Robert Ashbee, T. J. Cobden Sanderson, Walter Crane, Phoebe Anna Traquair, Herbert Tudor Buckland, Charles Rennie Mackintosh, Christopher Dresser, Edwin Lutyens, Ernest Gimson, Gustav Stickley, y los artistas del movimiento prerrafaelita.

El movimiento reivindicó los oficios medievales en plena época victoriana, reivindicando así la primacía del ser humano sobre la máquina, con la filosofía de utilizar la tecnología industrial al servicio del hombre: potenciando la creatividad y el arte frente a la producción en serie. Se caracteriza por el uso de líneas serpenteadas y asimétricas constituyendo sobre todo un arte decorativo.

Se trató de un movimiento estético reformista que tuvo gran influencia en la arquitectura, las artes decorativas y las artesanías británicas y norteamericanas, e incluso en el diseño de jardines.

En Estados Unidos, se usan las denominaciones Arts and Crafts movement, American Craftsman, o estilo Craftsman para referirse al estilo arquitectónico y decorativo que predominó entre los períodos del Art Nouveau (Modernismo) y Art decó, es decir, aproximadamente entre 1910 y 1925. Pretende que cada objeto debería tener o retomar algo del pasado pero dándole un sentido elegante.